Comment Analyser Un Texte Pour Une Interprétation Réaliste – 8/8

comment analyser un texte

La série de l’été continue avec Giles Foreman du GFCA Paris. Dans cet article il nous parle de la dernière question à se poser sur le personnage pour le comprendre et pouvoir l’incarner. Les précédents articles de la série sont ici :

Vous pouvez lire ici le premier article sur l’importance du thème

Et ici le deuxième sur la question Qui suis-je

Comment Analyser Un Texte : Où Suis-Je

Comment Analyser Un Texte : Quand Suis-Je

Comment Analyser Un Texte : Qu’est ce que je veux

Comment Analyser Un Texte : Pourquoi je le veux

Comment Analyser Un Texte : Comment puis-je obtenir ce que je veux

 

 


Quel est l’obstacle?

 

Dans chaque scène, dans chaque script, il y a un obstacle, quelque chose qui nous empêche de faire ce que vous voulez, et se met en travers de la réalisation de votre action.

Sans obstacle ou problème il n’y a pas de conflit et par conséquent pas de drame – l’une des règles de base de la narration. Nous devons surmonter l’obstacle le vaincre ou le contourner, afin d’obtenir ce que nous voulons.

L’obstacle peut prendre plusieurs formes. Il peut être un externe : par exemple vous voulez convaincre une fille de sortir avec vous, mais le problème, c’est qu’elle est déjà prise, et le drame commence!

 

Mais l’obstacle peut aussi être un interne. Vous voulez convaincre la fille de sortir avec vous, mais le problème, c’est que vous êtes handicapé par votre timidité – vous craignez qu’elle ne vous aime pas. Le drame est dans la façon dont vous surmonter votre gêne.

Parfois, le problème d’un personnage peut être une combinaison d’obstacles à la fois interne et externe, mais quel que soit le cas, vous devez faire attention à ne pas exagérer le problème car il est courant alors de jouer le problème et non l’action.

Cela conduit à nouveau à la complaisance et empêche l’histoire de se développer.

Exercice

Déterminer quels sont les obstacles auxquels Hamlet fait face et qui l’empêchent de réaliser ce qu’il veut (son action) dans l’Acte 1 Scène 2.

 

Et voilà, ce sont les sept questions méthodologiques.

Si vous y répondez complètement – et votre capacité à créer des détails augmente avec l’expérience – et combinez toutes ces informations en une personnalité individuelle – un personnage – vous aurez une compréhension riche, en trois dimensions, de la personne que vous jouez et le monde dans lequel vous habitez.

Le prochain défi est de rendre tout cela réel et pas intellectuel, afin que votre imagination puisse être alimentée, vous permettant de vraiment jouer.

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Giles Foreman est le fondateur du Giles Foreman Center for Acting à Londres et à Paris.
Il est spécialisé dans le réalisme pour la scène et l’écran grâce à l’approche Method Acting.

Cliquez ici pour voir sa biographie sur le site du GFCA Paris

 

 


Comment Analyser Un Texte Pour Une Interprétation Réaliste – 7/8

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La série de l’été continue avec Giles Foreman du GFCA Paris. Dans cet article il nous parle de la sixième question à se poser sur le personnage pour le comprendre et pouvoir l’incarner. Les précédents articles de la série sont ici :

Vous pouvez lire ici le premier article sur l’importance du thème

Et ici le deuxième sur la question Qui suis-je

Comment Analyser Un Texte : Où Suis-Je

Comment Analyser Un Texte : Quand Suis-Je

Comment Analyser Un Texte : Qu’est ce que je veux

Comment Analyser Un Texte : Pourquoi je le veux

 

 


Comment puis-je obtenir ce que je veux?

 

La réponse à cette question crée le personnage. 

Le théâtre, ce n’est pas ce que vous ressentez, mais ce que vous faites. Le sentiment ne fait qu’assister et éclairer ce que vous faites pour obtenir ce que vous voulez. Quand vous jouez vous êtes dans un état ​​constant d’action, en essayant de faire ressentir à quelqu’un d’autre – ou à vous-même, dans le cas d’un monologue – quelque chose de précis afin d’obtenir ce que vous voulez.

Il n’y a que deux possibilités en termes de méthodologie: vous pouvez faire des choses psychologiquement ou physiquement. La façon dont vous choisissez de faire les choses révèle qui vous êtes – un concept clé dans la Méthode. Vous êtes ce que vous faites. Un public ne peut vous connaître, vous reconnaître en tant qu’être psychologique, que par la manière dont vous faites les choses pour obtenir ce que vous voulez.

 

Disons que je veux que vous me donniez 5€ parce que je suis complètement fauché et affamé. J’ai une palette d’options même pour une seule réplique:

S’il vous plaît donnez-moi 5 euros.

Je pourrais vous prier sur cette phrase; le dire comme une supplique afin que vous vous sentiez supplié. Si je fais ça bien et de manière convaincante, avec véracité, je peux bien générer une caractéristique – vulnérable ou fragile.

Mais avec la même réplique je pourrais vous menacer; la dire de façon menaçante afin de que vous vous sentiez menacé. Je pourrais, alors, générer la caractéristique d’agressif.

Une troisième option pourrait être de vous énerver; la dire avec énervement. Cela peut générer manipulateur, rusé ou même impitoyable.

Vous remarquerez que les trois verbes que j’utilise – prier, menacer et énerver – peuvent tous être utilisés pour créer une production d’énergie  spécifique. Toute action implique la transmission d’une énergie psychologique invisible qui se déplace à travers l’espace d’une entité à une autre afin de les affecter de manière spécifique.

Nous devons donc être très prudent lorsque l’on choisit des verbes d’action qui n’ont pas d’énergie – comme éduquer ou  informer – les  deux sont interdits! Ils sont très tentant pour des acteurs débutants, des scénaristes et des réalisateurs parce que ces verbes vous permettent d’éviter d’avoir à faire vraiment ressentir quelque chose à quelqu’un.

Une grande partie de la formation des acteurs consiste à comprendre ce que c’est que de faire ressentir quelque chose de précis à quelqu’un d’autre, de trouver l’énergie en soi-même de transmettre quelque chose de spécifique à travers l’espace à quelqu’un ou à quelque chose.

Au Drama Centre nous avons appelé de ses intentions verbales activités.

Si vous ne disposez pas d’une activité sur chaque réplique, vous n’existez pas en tant que personnage et vous ne donner pas de quoi réagir aux autres acteurs. En tant que comédien, nous existons simplement pour réagir et donner aux autres de quoi réagir. Il ne s’agit jamais de nous-mêmes, ou bien nous courons le risque de devenir des acteurs complaisants – un  crime majeur dans cette profession.

Faites en sorte dans toute votre scène ou votre monologue d’avoir une grande variété d’activités différentes vous permet de jouer sur plusieurs niveaux et a pour effet de rendre votre caractérisation tridimensionnelle.

Exercice

Pensez à l’un de vos parents.

Quels moyens utilisent-ils pour obtenir quelque chose de vous? Quelles activités utilisent-ils?

Maintenant, pensez à un de vos amis et posez-vous la même question.

Les différences font d’eux des personnes différentes avec des caractéristiques différentes.

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comment analyser un texte

 

Giles Foreman est le fondateur du Giles Foreman Center for Acting à Londres et à Paris.
Il est spécialisé dans le réalisme pour la scène et l’écran grâce à l’approche Method Acting.

Cliquez ici pour voir sa biographie sur le site du GFCA Paris

 

 


Comment devenir acteur : interview de Giles Foreman, coach d’acteur

giles foreman comment devenir acteur
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Crédit photo : gfca, Files Foreman Centre for Acting

 

 

Comment devenir acteur : Interview de Giles Foreman

Giles Foreman est un coach d’acteur avec qui j’ai eu l’occasion de travailler à plusieurs reprises. Son travail est libérateur et la palette variée d’exercices qu’il propose permettent aux acteurs de dépasser leurs limites tout en restant dans un cadre de travail sécurisé. J’ai personnellement travaillé sur plusieurs des exercices qu’il propose et sa façon de guider les acteurs avec assurance et douceur fait des miracles. Sa grande connaissance des classiques et sa faculté à raconter les histoires de ces personnages monumentaux de la littérature nous ouvre les portes de références culturelles trop souvent négligées par ceux qui veulent devenir acteurs de cinéma.

 

Binh : Bonjour Giles, Comment ça va ?

Giles Foreman : Ça va, enfin je pense que ça va, je viens tout juste d’atterrir ! Je suis de retour à mon quartier général ! Sous le sol de Soho ! Je suis dans la version londonienne du studio. C’est en sous-sol, sous le parc central de Soho, qui est, tu sais, à Londres, la zone qui vit 24h/24. Et nous on se cache dans notre petit oasis de jeu, sous toute cette décadence.
Binh : Alors je voudrais te poser quelques questions, très simples, sur le jeu d’acteur et ce que tu fais pour les acteurs. Donc ma première question serait :

Quelles sont les qualités nécessaires à tout acteur ?

Giles Foreman : Oh mon dieu, ok, il y a beaucoup de types d’acteurs différents, donc il y a beaucoup de types de qualités différentes, mais je pense que le dénominateur commun est, bien sûr, l’imagination. Car c’est un art. Ce sont des artistes. Donc tu as besoin, plus que n’importe quoi d’autre, d’une imagination puissante et développée.

Mais ensuite il y a aussi d’autres choses, comme le fait que les gens doivent être très libres, très instinctifs, être capable d’être incroyablement ouverts, d’être capable d’être privés en public, d’être privés tout en étant observés par le public afin que les gens puissent entrer en empathie avec eux.

Je pense que les acteurs doivent être intelligents, je sais que beaucoup de gens ne pensent pas cela, mais je pense qu’il faut avoir la capacité de vraiment pouvoir plonger dans un texte, vraiment comprendre le texte.

Et ensuite, ce sont ces étranges créatures qui combinent l’intellect et l’instinct. Ils doivent être capable d’avoir les deux, et c’est très particulier car d’habitude nous avons des intellectuels qui laissent à part l’instinct, ou bien ces créatures à l’instinct sauvage qui ne comprennent pas l’histoire qu’ils racontent.

Donc vraiment le bon acteur est celui qui parvient à combiner les deux, selon moi. Et ensuite tu as besoin d’un corps, tu dois être capable de bouger et de te transformer physiquement, et tu as besoin d’un ensemble d’autres talents aussi.

Ce sont en gros des choses qui se doivent d’être développées, c’est pour cela qu’on se forme, vraiment. C’est le but de la formation de l’acteur.

Quels sont les problèmes que les acteurs ont lorsqu’ils viennent travailler avec toi, les problèmes principaux.

Giles Foreman : oh, il y a toute une palette de problèmes qui dépendent de qui est la personne. Parce que les gens arrivent avec qui ils sont, lorsqu’ils jouent, et le fait est que c’est eux qui sont intéressants. Souvent les gens arrivent en pensant qu’ils vont jouer, afin de montrer quelque chose de different, quelque chose d’autre qu’eux-mêmes.

Donc le premier gros problème, auquel la plupart des gens font face, c’est le fait de retirer le masque, retirer ce qui est artificiel afin d’arrêter de jouer et de commencer à révéler des parties d’eux-même, et de laisser le gens connaître et voir ces parties d’eux-mêmes. C’est le gros problème auquel la plupart des gens font face, mais ensuite jouer est un processus étrange car certaines personnes sont brillantes dans certains aspects du jeu et d’autres y sont très mauvaises et vice-versa, car c’est un sujet tellement immense. Donc ça dépend vraiment de qui vous avez en face de vous dans la pièce.

Quand on a formé autant d’acteurs au fur et à mesure des années, on développe différentes tactiques selon les différents types psychologiques, si on peut dire. Une formation d’acteur est une formation sur mesure, il n’existe pas de chose telles que « cette taille convient à tous » comme type de formation. Tu dois déployer différentes techniques avec différentes personnes.  Et le talent du coach d’acteur est de comprendre qui il a dans la pièce, et qu’est-ce qui les bloque.

On a tous besoin d’une formation d’une façon ou d’une autre, personne n’est naturellement génial, c’est un mythe, d’après mon expérience.

Donc quels sont les outils que tu utilises pour amener ces acteurs à se révéler et à enlever le masque ?

 

Giles Foreman : Eh bien, nous avons une palette d’influences que nous utilisons dans la formation que nous faisons ici. Nous sommes très influencés par la technique russe de Stanislavsky. Nous avons invité des professeurs des États-unis, des professeurs qui ont évolués avec les méthodes créées après le passage des russes aux États-Unis par des gens comme Lee Strasberg, dont j’utilise l’exercice Song & Dance afin de connecter les gens à leurs instincts, afin qu’ils soient vrais, qu’ils soient véridiques. Nous utilisons son exercice du Moment Privé, afin de faire en sorte que les gens se débloquent, et qu’ils révèlent les secrets qui les font se retenir.

Nous utilisons la technique Meisner ici au studio, avec de brillants professeurs de Meisner, afin de connecter les gens à la vérité, et de canaliser leur fantaisie et leur imagination. On utilise aussi le travail de l’exercice des objets, de Uta Hagen, et vous pouvez lire tout sur cet exercice dans son merveilleux livre, Respect for acting, et il y a une série de 16 exercices, je crois, par lesquels vous pouvez passer, afin de libérer votre potentiel d’acteur.

Et tout ceci, bien entendu est combiné avec beaucoup de classes techniques de haut niveau. Nous avons, par exemple, certains des meilleurs professeurs de mouvement au monde. Nous avons la professeur de mouvement de Tom Hardi, Michael Fassbender, Colin Firth et moi-même, Liana Nyquist, qui travaille sur comment se débloquer à travers le corps. Une autre méthode pour cela est avec Janet Amsden, qui était une des assistantes de Yat Malmgren, mon gourou, mon mentor, si vous voulez. Et il a développé une formation de mouvement pour acteur très particulière, qui ciblait les blocages psychologiques, de façon très spécifique pour chaque individu.

Donc nous utilisons cela, et bien entendu une formation de la voix. La voix peut aider sur les blocages aussi. Donc on ne sait jamais vraiment ce qui va fonctionner selon l’individu. Mais au final, après un moment, on fini par abattre tout se qui se met en travers du chemin.

Et donc maintenant tu comptes ouvrir un studio d’acteurs en France, à Paris. 

Giles Foreman : Oui !

Binh : Et est-ce que ce sera les mêmes méthodes, les mêmes professeurs ?

Giles Foreman : Ce sera complètement modelé sur les mêmes techniques, sur les combinaisons d’influences que nous avons ici. Et notre méthodologie vient de ma formation au Drama Centre. Donc ce sera l’extension naturelle de ce travail. Et j’ai très hâte, car le Drama Centre, quand j’y étais formé, a toujours été dans la célébration de notre héritage culturel européen classique commun, qui est un immense et fantastique corps de travail. Et je pense qu’il est temps, en Europe, que nous célébrions cela, avec un corps de formation paneuropéen. Et nous pouvons vraiment aider à cela, car je voyage à travers toute l’Europe, pour coacher sur des films, donc j’ai une compréhension de comment fonctionne le système du cinéma moderne dans tous ces pays.

Donc c’est donner une chance aux gens de travailler à la fois à Paris et à Londres, d’avoir accès à l’industrie, avec une formation très intensive et très rigoureuse, célébrant toutes ces influences, célébrant la culture européenne. Et je pense que ce serait une première. Et j’ai très hâte de commencer cela. Je pense que l’on peut dire sans mentir qu’il y a de plus en plus de coproductions qui se développent entre les pays européens, et c’est une opportunité de pouvoir implanter cela dans une institution de formation européenne, que nous voulons créer.

Tu utilises beaucoup le mot célébrer, ça semble être très important dans ta formation. Pourquoi ?

Giles Foreman : Parce que ceci devrait être une histoire de plaisir. L’art est une histoire de plaisir, même s’il s’agit d’un plaisir douloureux. De toute évidence, très souvent, c’est extrêmement douloureux, mais on est des malades, les acteurs sont des malades et il y a un plaisir morbide dans la douleur. Donner naissance à un enfant, tout ce qui est en rapport avec la créativité implique de la douleur. Mais il y a aussi un plaisir très très profond dans cela. Et la vie est faite pour être vécue, non pas pour être déprimé.

Tu dis qu’il faut être privé en public, qu’est-ce que tu entends par là ?

Giles Foreman : Quand tu regardes un grand acteur, disons dans un film, et que tu as l’impression de le connaître, de le connaître intimement. En quelque sorte il te laisse entrer dans son monde intérieur, son monde privé, en disant viens voir, viens voir mon voyage et comment je suis. Et c’est quelque chose que Stanislavsky lui-même a découvert : que ceux qui ont la capacité d’être aussi ouverts, de vous laisser les voir, avec toutes leurs merdes autant que toutes les merveilleuses choses qu’ils ont, ce sont ceux qui évoquent l’empathie. Et le réalisme repose sur l’empathie.

Ce n’est pas comme chez Brecht avec son Verfremdungseffekt, son effet de distanciation. C’est le principe de laisser les gens voyager avec vous émotionnellement. Mais c’est très difficile à faire. Et la plupart des acteurs doivent, ( je n’ai jamais rencontré de ma vie qui que ce soit de naturellement tellement ouvert que l’on voit à travers lui), la plupart des acteurs doivent se former à laisser les gens les voir, car il faut admettre que la vie scolaire normale, l’éducation normale est basée sur le fait de faire l’opposé total de cela. Il faut se cacher, ne pas montrer, ne pas être vulnérable, ne pas être faible. Donc on doit réapprendre à être comme un enfant. Et profiter de l’intimité dont on ne profite que très rarement dans la vraie vie, et ce de façon plus intense.

Binh : Merci beaucoup.

Giles Foreman : Merci à toi !

 

Pour en savoir plus sur le travail avec Giles Foreman visitez son site : Giles Foreman Centre for Acting,  Studio de formations professionnelles pour comédiens sur Paris & Londres.

Merci à Lysandre Mbappé pour l’organisation, l’enregistrement et la traduction de cette interview.

 

Mon avis sur le stage Method Acting avec Giles Foreman

 

Giles foremanLe mois dernier, j’ai été invité par Trixter à participer au stage Method Acting de Giles Foreman.

 

Giles Foreman est un coach anglais qui enseigne la « Method Acting », une méthode de jeu qui permet de construire un personnage étape par étape dans le but d’être le plus vrai et vivant possible sur scène. Il a son studio dans le quartier de Soho à Londres, et vient régulièrement à Paris pour faire des stages intensifs de 5 jours. J’ai participé à un de ces stages du 18 au 22 Janvier.

 

Principe de base : être privé en public.

 

L’idée directrice de la méthode est que chaque acteur doit constamment découvrir et révéler de nouvelles parts de lui. L’acteur doit apprendre à être privé en public, c’est à dire se comporter comme s’il était en privé alors que les spectateurs le regardent. Ce faisant, il apprend à s’accepter et à se lâcher (« Leave yourself alone »). Son énergie n’étant alors plus perdue à se cacher, il peut enfin se sentir libre et vivre pleinement la scène.

 

Quelques exercices proposés.

Pour arriver à ce résultat, de nombreux exercices sont proposés.

 

L’exercice de relation

 

Le premier exercice auquel doit s’adonner tout participant est l’exercice de la relation. Il s’agit de confronter une personne qui nous est proche en vue d’obtenir d’elle quelque chose dont on a désespérément besoin.

Cet exercice permet d’apprendre à définir un objectif, ce que l’on veut obtenir de la personne en question, et à recréer une relation. J’ai été particulièrement surpris de la facilité avec laquelle Giles m’a guidé dans cet exercice, et à quel point c’était facile et amusant.

 

L’exercice du moment intime

 

Cet exercice permet vraiment d’apprendre à être privé en public. Il s’agit de révéler au public une partie de nous même que l’on cherche habituellement à cacher. Pour cela, l’acteur doit amener des objets pour recréer son espace privé. Puis il prend le temps de vivre dans cet environnement afin de s’y sentir chez lui. Puis le groupe s’installe pour regarder la scène, et l’acteur vit son moment intime. Il peut s’agir de lire des lettres qu’on ne voudrait révéler à personne, de se mettre à nu, de danser etc… Pour cet exercice, je me suis mis à nu et j’ai chanté en dansant. J’étais évidemment terrorisé à l’idée de le faire mais cela m’a permis d’accepter cette part féminine de moi que j’ai parfois du mal à accepter.

 

L’exercice du moment intime du personnage

 

De la même manière que l’exercice du moment intime nous permet de révéler ce qu’en tant qu’acteur on souhaite cacher,  le moment intime du personnage permet d’explorer ce que le personnage essaie de cacher. Cet exercice permet surtout de vivre un moment intime personnel dans la peau de notre personnage. C’est une manière de donner au personnage une partie de soi.

 

L’interview du personnage

 

Pour chaque personnage que l’on va incarner, on doit créer sa biographie. Cette biographie répond à la question « Qu’est ce qui fait que vous êtes qui vous êtes ? ». On fait d’abord cet exercice en parlant de nous, ce qui nous permet de comprendre comment les évènements de notre vie nous on affecté. Ensuite on peut le faire pour notre personnage.

 

L’exercice des objets

 

Cet exercice est une exploration du personnage. L’acteur choisit 3 objets qui vont lui permettre d’explorer des caractéristiques de la personnalité de son personnage. Il élabore un scénario antérieur à la pièce, et définit un objectif pour son personnage. Les objets doivent servir au personnage à atteindre son objectif. L’acteur peut par exemple explorer la caractéristique « fier » de son personnage dans sa relation avec ses vêtements lorsqu’il s’habille.

 

Ce ne sont là que quelques un des exercices qui nous ont été proposés. C’était un stage très dense et varié, et il me serait impossible de tout résumer en un seul article.

 

Ce que j’ai aimé dans ce stage :

 

J’ai beaucoup apprécié la personnalité de Giles. Il travaille dans la légèreté et je me suis vraiment senti en confiance. Il a beaucoup d’enthousiasme, une expérience et une culture énorme.

Sa manière d’analyser les personnages est passionnante, et il a la capacité de raconter les pièces classiques avec une telle passion qu’on rentre immédiatement dans l’histoire.

J’ai également aimé le travail avec la musique, que ce soit lors de l’échauffement, ou lors de certains exercices. La musique peut par exemple servir à explorer certaines caractéristiques d’un personnage ou créer une ambiance.

J’ai découvert des exercices qui permettent d’explorer le personnage et de le construire en s’amusant à le jouer. Certains exercices sont vraiment des exercices d’exploration et ne seront jamais montrés. Ce sont des exercices que l’on peut faire chez soi pour s’amuser avec le personnage.

L’ambiance professionnelle et la variété des exercices m’a permis de me dépasser et de me détacher du résultat. Je n’avais aucune pression de bien faire les exercices, je les prenais simplement comme des expériences à conduire pour découvrir mon personnage ou moi même.

 

 

Conclusion :

 

C’est vraiment un stage que je recommande car il m’a permis de me dépasser, de découvrir de nouvelles parties de moi même et une autre manière de travailler. L’ambiance professionnelle et l’absence de jugement m’a permis de me lâcher, et la variété des exercices m’a permis de révéler différentes parts de moi. C’est un travail en douceur et en profondeur.

Je pense que ce stage s’adresse particulièrement aux acteurs et actrices qui veulent dépasser certains blocages dans leur jeu ou trouver de nouvelles manières d’explorer et de comprendre le personnage.

 

Cliquez ici pour accéder au site des stages de Giles Foreman organisés par Trixter.

 

 

 

Acting International : Mon avis après 3 ans de formation

actingClassActing International est une école d’acteurs de théâtre et cinéma qui commence à être de plus en plus connue du grand public grâce notamment à ses campagnes publicitaires. C’est  également une école connue et appréciée dans le milieu.

Le fondateur Robert Cordier, est un personnage haut en couleur qui dit des choses très vraies en les criant très fort, c’est lui l’inspiration de la dernière pièce de Xavier Durringer : Acting !

Des conseils qui resteront gravés et vous aideront par la suite, ça fait mal aux oreilles sur le coup mais on s’en souvient.
L’école offre deux cursus séparés pour les comédiens de théâtre et cinéma et pour les acteurs de cinéma uniquement. Je vais vous donner mon avis sur le seul que j’ai suivi : l le cursus acteur de Cinéma.
Durant ces 3 ans, j’ai beaucoup appris, j’ai rencontré des professeurs formidables et généreux, j’ai eu l’occasion de faire des stages à New York et à Hollywood, mais j’ai aussi été déçu par ma troisième année à Acting, et vous comprendrez pourquoi.

La formation d’acteur

La formation d’acteur est orientée vers la vérité du jeu, vers le développement de notre capacité à être vrai devant une caméra. c’est l’objectif que se donne l’école pour ses élèves,  malheureusement, elle ne s’en donne pas toujours les moyens. Entendez par cela qu’il y a parfois des contradictions entre ce qu’on vous demande de faire, et ce qu’on vous enseigne.
Durant mes 3 ans de formation d’acteur, j’ai eu plus d’une douzaine de professeurs différents.
Cela permet de confronter différentes approches et différentes techniques de jeu d’acteur,
mais entraîne inévitablement un manque de suivi :
Le métier d’acteur est avant tout humain, il ne s’agit pas d’apprendre de la théorie, mais d’apprendre à se connaître en s’explorant dans une atmosphère propice et saine. Les professeurs doivent être là pour nous guider dans ce travail. Il s’agit donc avant tout de rencontres avec des professeurs. La plupart sont très bon, mais parfois ça n’accroche tout simplement pas ! Je suis par exemple sorti d’un cours énervé par un prof-réalisateur qui dénigrait la capacité de l’acteur à créer une atmosphère.
Les professeurs avec lesquels j’ai le plus travaillé d’un point de vue technique, ceux avec qui j’ai le plus appris sur moi-même et sur le jeu sont partis pour créer leur propre studio d’acteurs professionnels avec une ambiance plus conviviale : l‘Actors Factory. Ils m’ont beaucoup manqué en dernière année et je vais donc reprendre des cours avec eux.

Néanmoins, ces trois années m’ont fait énormément travailler et m’ont surtout donné les clés pour continuer à travailler par moi-même.

Les stages d’acteur à l’international

Les stages d’acteur organisés à New York et à Hollywood permettent d’élargir encore davantage le panel de techniques de jeu d’acteur et de rencontrer des professeurs américains renommés. Certains de ces professeurs viennent même jusqu’à Paris pour animer des stages organisés par l’école, je pense notamment à Carol Fox Prescott qui est excellente.
C’est également une entrée pour étudier aux Etats-Unis, au stage d’Hollywood par exemple, nous avons également pu rencontrer une intervenante qui nous a expliqué comment s’inscrire à UCLA dans le cursus Acting ouvert aux étrangers.

Des tournages

Des tournages réguliers sont intégrés à la formation d’acteur de cinéma, vous aurez donc la possibilité de voir ce que vous donnez, de vous habituer à votre image et de bien comprendre les spécificités du jeu à la caméra. Les tournages de fin d’année vous donnent la possibilité mettre en application ce que vous aurez appris. C’est à ce moment là que vous regretterez de ne plus avoir Tiffany Stern pour vous coacher ! En effet, les tournages sont préparés avec les réalisateurs et c’est parfois une autre façon de voir.
En troisième année, les tournages servent à produire un court métrage qui sera envoyé au festival de Cannes ! Hé oui, ça fait super bien vu comme ça, et c’est vrai que c’est toujours cool de découvrir le festival de l’intérieur avec les accréditations pour voir les films gratuitement en avant première.
Maintenant, sachez qu’il n’y en aura pas pour tout le monde, les accréditations sont en nombre limitées.

L’ambiance

Feuilles de présence à signer au début du cours, sonnerie dring dring comme au collège, justification obligatoire des retards et des absences et sanctions en cas de non-justification, caméra de surveillance dans les salles etc… Vous vous souvenez de l’ambiance du collège, ou vous ne vous sentiez pas en droit de vous exprimer librement, ou il ne fallait pas faire trop de bruit parce qu’il y avait cours dans la salle d’à côté, ou vous deviez justifier vos absences et vos retards, sous peine d’être viré ? Et bien c’était ça durant ma dernière année !
Et c’est je pense le gros point faible de l’école. Je ne me suis pas du tout senti considéré comme un acteur en devenir, mais comme un élève, un gamin qu’il faut forcer à venir en cours et qu’il faut punir s’il n’est pas sage.
La création, la créativité apparaît lorsqu’on s’amuse ! Certains profs savent s’amuser et c’est un plaisir de travailler avec eux. D’autres ont oublié le chemin et rendent les choses difficiles.

Les tournages avec Robert Cordier étaient préparés dans une ambiance lourde. Robert a beaucoup d’expérience et de passion à partager, ses conseils sont toujours pertinents, malheureusement il ne s’amusait plus du tout à enseigner, et cela se ressentait dans l’atmosphère de la classe.
Bref, pour une dernière année censée nous propulser dans la vie active de comédien et d’acteur de cinéma, j’ai été déçu.
L’école se doit d’être stricte pour revendiquer le statut de formation professionnelle. Malheureusement, c’est fait au détriment de l’ambiance générale, qui nuit autant à la qualité de l’enseignement qu’à l’enthousiasme créatif des élèves.
C’est dommage, d’autant que…

Rencontres avec des professionnels et analyses filmiques

l’école organise régulièrement des rencontres gratuites avec des professionnels, anciens élèves qui ont réussi, directeurs de casting, réalisateurs, agents, qui viennent expliquer leur métier et donner des conseils. C’est l’occasion pour les élèves de se rencontrer et d’échanger dans une ambiance un peu plus relax, de retrouver des anciens élèves etc… et bien sûr d’écouter les conseils de ceux qui ont réussi à faire leur place dans le milieu.
Acting International organisait également des analyses filmiques durant lesquelles Robert Cordier analyse le jeu des acteurs sur une sélection selon une thématique choisie. Je n’ai pas assisté à toutes ces analyses mais c’est l’occasion de découvrir certaines scènes mythiques du cinéma.

Le prix

Oui c’est là aussi que le bât blesse ! Comptez environ 315€ par mois pour 9h de cours/semaine en Cinéma plus quelques tournages en dehors des heures de cours (selon le professeur). C’est dans la moyenne haute des écoles privées de Paris.
Sachez aussi qu’il est très difficile de récupérer votre argent si vous arrêtez en cours d’année. Et pour vous dire la vérité, s’il avait été possible d’arrêter en cours d’année en récupérant sa mise, je connais bien des gens qui auraient arrêté en 3ème année. L’école demande un engagement à l’année, soyez sûr de pouvoir l’assumer avant de vous engager.

Moyens matériels

L’école n’a pas les moyens d’une école de réalisation, les caméras, l’éclairage, les décors de tournage et le son sont assez cheap, il faut bien le dire, c’est loin d’être de qualité professionnelle mais c’est suffisant pour analyser son jeu d’acteur, et avoir des images à montrer.
L’école a fait l’acquisition récemment de nouvelles salles dans le 9ème arrondissement. Certaines salles sont encore mal insonorisées, et on est soit perturbés par les bruits d’à côté, soit réprimandés pour le bruit que l’on fait soi-même. Une des salle est particulièrement froide et résonne horriblement. Il est probable que cela s’améliore dans les années à venir.

Vous pouvez tester l’école avant de vous engager

J’ai choisi d’intégrer cette école de théâtre après avoir fait un stage d’initiation et une classe ouverte qui m’ont permis de connaître l’école et ses professeurs. C’est une des forces de cette école : l’école organise régulièrement des classes gratuites ouvertes à tous qui permettent de rencontrer des professeurs. En fait au départ je pensais faire le fameux cours Florent, mais je n’en ai entendu que du mal, j’ai donc préféré tester Acting International et les professeurs que j’ai rencontré alors m’ont convaincu.

Pour conclure mon avis sur Acting International

Au final j’ai appris beaucoup de choses grâce à cette école d’acteurs, mais ça me semble insuffisant par rapport à mes ambitions. Les promesses de l’école n’ont pas été tenues entièrement, et l’ambiance de ma dernière année était peu enthousiasmante.
Néanmoins les professeurs sont généreux et Robert Cordier a toujours de bonnes histoires à raconter.

Edit : Robert Cordier, fondateur de l’école a été évincé par la nouvelle directrice. Il a crée un autre studio : The Action Studio
C’est une bonne école pour découvrir différentes approches et choisir celle qui vous convient le mieux.

Je vous conseille de tester d’abord et de vous renseigner sur les professeurs que vous aurez. L’école propose un contenu de formation détaché des professeurs qui l’enseignent. Sur le papier ça fait joli, mais une fois en cours, vous risquez de ne pas avoir ce qu’on vous a vendu.
A ceux qui se demanderaient si ça vaut la peine de faire les 3 ans, je dirais non. Le certificat de formation professionnelle décerné à l’issue des 3 ans de formation n’aura pas beaucoup d’intérêt pour la suite (on vous demandera jamais de certificat à un casting). Je pense que c’est une très bonne école pour la variété des approches qu’elle propose, mais elle manque globalement de suivi.
Pour ma part, j’ai choisi de faire cette année une autre formation d’acteur dans un studio
professionnel : L’Actors Factory.
D’autres articles qui pourraient vous intéresser : Quelle formation pour devenir acteur ? et Les questions à se poser pour bien choisir son cours d’art dramatique.

Edit du 03/07/2012 : Acting International m’a demandé de supprimer cet article de mon blog, je ne le ferai pas car je revendique mon droit à la liberté d’expression et mon droit à la critique. Par ailleurs, si un acteur cédait aussi facilement à la pression et au musellement de sa liberté, que vaudrait-il et comment pourrait-il défendre quoi que ce soit dans un rôle ?

Important : Suite à la publication de cet article, la directrice d’Acting International m’a intenté un procès pour diffamation pendant l’été 2012. Procès que j’ai gagné en appel.  Concluez en ce que vous voulez sur cette école…

Si vous avez des questions pratiques sur l’école, contactez la directement. Je ne réponds plus aux questions sur cette école. Si un ami me demandait s’il doit s’inscrire, je répondrai Non…